Intro

Die Studio//Bühne ist ein erweitertes Künstlerstudio und beschäftigt sich mit dem Verhältnis des Künstlers zur eigenen Arbeit im Moment der Veröffentlichung. 

Im Mittelpunkt der Fragestellung steht das rotierende Dreiecksverhältnis Künstlerische Arbeit – Künstler – Publikum. Dieser Rotation benötigt konsequente Methoden im Umgang mit dem Ausgesprochenen und Geschriebenen in Verbindung mit der eigens dafür konzipierten Emblematik. Die Studio//Bühne wendet sich an Künstler, die eigene Schriften verfassen, performen und neue Präsentationsmodelle dafür entwickeln. Sie bietet einen praktischen Denkraum, in dem Fragestellungen mit Künstlerkollegen geteilt, erprobt und erweitert werden – im Sinne einer Vorveröffentlichung. 

  • #11, 2021, Shadow Play, 5 Schattenspiele der Studio//Bühne
  • #10, 2020, Figurenrede – Film-Performance in Kooperation mit DAS MULTIHYBRID
  • #9, 2020, Kalte Nadel – Sonderedition
  • #8, 2018, Text/Template/Activation
  • #7, 2017, Text/Template/Activation – Dynamische Schablone 3:40:35
  • #6, 2017, Text/Template/Activation – SCHWARZ-ROT-WEISS
  • #5, 2016, Text/Template/Aktivation
  • #4, 2015, TEMPLATE: RAUTE
  • #3, 2015, Text/Template/Aktivation
  • #2, 2014, DOING WRITING
  • #1, 2013, UNSERE ZEIT : eine Einladung auf ETWAS ?

#11

2021

Shadow Play – ARTISTS PLAYING SHADOW 5 Schattenspiele der Studio//Bühne

Sabine Reinfeld, Samstag, den 29.Mai 2021, ab 21.30 Uhr INSIDE/Inside – der menschliche Körper in den Wirren von Bild-Technologien und realem Umfeld (Video–Foto–Live-Performance)
Heike Kabisch, Sonntag, den 27. Juni 2021, ab 23.00 Uhr Magic Garden – ein performativer Grenzraum mit unvorhersehbaren Variablen (Live-Performance in Koop. mit der Erarbeitungsgemeinschaft “Das Multihybrid”; Jeanne-Françoise Fischer, Judith Dobler, Meike Hauck, Suse Weber)
Nina Rhode, Samstag, den 3. Juli 2021, ab 23.00 Uhr SCHEIN-WERFER – farbige Schatten und skurrile Lichtquellen (Skulptur und Live-Performance)
Barbara Buchmaier & Christine Woditschka, Samstag, den  17. Juli 2021, ab 23.00 Uhr RIESE? SCHATTEN EINES ZWERGES!! – ein KritikerInnen-Duo im schrumpfenden Betrieb (Lecture-Performance)
Suse Weber Samstag, den 14. August 2021, ab 23.00 Uhr NO CURTAIN – Wunderkammer Atelier, Schattenwürfe von Realgegenständen aus der Studiopraxis der KünstlerIn (Live-Inszenierung)

Die Schattenspiele werden aufgezeichnet von Aida Kadrispahić und bis 31.12.2021 online über einen QR-Code einsehbar sein. Onlinebetreuung: Judith Dobler.

Ort: Studio//Bühne, Osloerstr. 93a, 13359 Berlin, Germany

Shadow Play wird im Rahmen des Projektfonds “Draussenstadt” der Senatsverwaltung für Kultur und Europa in Kooperation mit dem Amt für Weiterbildung und Kultur und dem Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte des Bezirksamtes Mitte von Berlin gefördert.

#10

2020

FIGURENREDE: KALTE NADEL / Proben zur Film-Performance in Kooperation mit Das Multihybrid ( Judith Dobler, Jeanne-Francoise Fischer, Meike Hauck, Heike KabischSuse Weber) 

#9

2020

Sonderedition (je 29 Blatt) von Kaltnadel-Radierungen auf Büttenpapier, die im Rahmen der Ausstellung „Features“ im Stadtmuseum Nikolaikirche erstmalig in Berlin veröffentlicht wurden. Je nach KünstlerInnenbeitrag handelt es sich um ein oder mehrere Platten, die von den KünstlerInnen selbst (Eigendruck) oder von Suse Weber  (Fremddruck) angewandt wurden. Bei geringer Anzahl von Abzügen und der individuellen Gestaltung bei den Ausübungen handelt es sich um Einzelabzüge. Alle, in den Sondereditionen befindlichen Einzelblätter, wurden von den KünstlerInnen signiert und für die jeweiligen Editionen zusammengestellt. 
18.3.-28.6.2020 Suse Weber für Kalte Nadel / Titel: Bühne / Adler / Dynamische Schablone / Notation / Votzenkäfig / Bewegungsschablone / Figurant / Fachwerk-Bühne / Votze / Bildvokabel / Formel:Marionette-Bühne / Gerippe / Formel:Marionette-Bühne / Vitrine / 14 Einzelblätter inv./ fec./imp. Suse Weber
14.7.2020 Tilman Wendland für Kalte Nadel / Titel: (VR) / Einzelblatt inv./ fec./imp. Tilman Wendland / dir. Suse Weber
15.-16.7.2020 Fiona Mackay für Kalte Nadel / Titel: Babes / Babe / 6-teilig inv./ fec. Fiona Mackay / imp./ dir. Suse Weber
21.7.2020 Barbara Buchmaier & Christine Woditschka für Kalte Nadel / Titel: REVO OVER / Einzelblatt inv./ fec. /imp. Barbara Buchmaier & Christine Woditschka / dir. Suse Weber
26.7.2020 Achim Lengerer für Kalte Nadel / kein Titel / 2-teilig inv./ fec./imp. Achim Lengerer / dir. Suse Weber
28.7.2020 Marit Neeb für Kalte Nadel / Titel: Untitled (Bottles and Water #1) scetches for wall drawing / 3-teilig inv./ fec./imp. Marit Neeb / dir. Suse Weber
19.8.2020 Martin Ebner für Kalte Nadel / Titel: TOP Museum / Einzelblatt inv./ fec. Martin Ebner / imp./ dir. Suse Weber
26.8.2020 Ariane Müller für Kalte Nadel / Titel: Mall of Berlin in Ruins / Einzelblatt inv./ fec. Ariane Müller / imp./ dir. Suse Weber

#8

2018

zu Gast: Deutscher Künstlerbund Projektraum, Berlin

April 28, 2018, 11 a.m. – 5 p.m.

Lieber Hybrid-Künstler /////////////////////////// Liebster Hybrid //////////////////////////////////////////////// Geliebter Künstler /////////////////// Lieber Hybrid-Betrachter ///////////////// Geliebter Betrachter //////////////////////// Liebster Betrachter-Hybrid ///////////////////////////////////////////////////// //////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////// im GEH- und ZERR_spiegelten UNIVERSITATIS des SPARTEN_SPURTS //////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////// im kritischen wie auch abgründigen STATUS QUO ANTES ///////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////DAS SEHEN IN SEINEM AKT BEUNRUHIGEN//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////// LEERSTELLEN IM VERHÄLTNIS ZUEINANDER PRODUZIEREN ///////////////////////////////////////////////////////// ERFAHRENE REZEPTIONSWEISEN ALS RANDNOTIZEN VERBANNEN /////////////////////////////////////////////////////

Barbara Buchmaier, Nora Frohmann, Manuela Gemedel, Lina Launhardt, Fiona Mackay, Sabine Reinfeld, Nina Rhode, Suse Weber, Christine Woditschka

7.5.2018

Liebe Studio//Bühne – MitstreiterInnen, Liebe Antje, Liebe Silvia
Betrifft: Streit um das Fotomaterial mit dem DKB und Auseinandersetzungen mit Silvia und Antje zur Frage des künstlerischen Beitrags „Studio//Bühne“
Liebe Barbara (zu Deiner Frage),die Fotos von Antje und Silvia und das Filmmaterial von Nora sind Doku-Materialen, die uns allen zur Verfügung stehen. Da hat der DKB keinen Zugriff. Es sind, wie bereits geschrieben, 150 Fotos gesamt und div. Filmsequenzen. Jede bekommt alles. Auch weil ich davon ausgehe, dass jede von uns fair mit den Materialien umgeht. In der Studio//Bühne habe ich es bisher so gehandelt, dass auf klassisches Doku-Material verzichtet wurde. Nun ließ sich aber die Anwesenheit einer „Linse“ nicht mehr vermeiden. Freunde kamen, machten Fotos etc. Im Laufe der 6 Jahre Studio//Bühne hat sich die „Lust“ auf Selbstdokumentation der Künstler verstärkt, Ursachen kennen wir alle. In der Performance haben sich Foto/Film durchgesetzt. Für meine Aktivierungen eignen sich Foto/Film nicht als dokumentarisches Material. Wird im zukünftigen Werk nicht auch das vorangegangene “dokumentiert”? Ich vermisse bis dahin eine Auseinandersetzung, was Dokumentation eigentlich ist. Es handelt sich hier bisher um Text / Schablonen / Aktivierungen. Welche Funktion übernimmt tatsächlich ein Foto? Mit der Methode des Doing Writing  (u. a. dem Einschreiben in ein Gegenüber) sehe ich eine neue Form und sinnvolle Alternative zum herkömmlichen Dokument (=beweisende Urkunde). Neben der künstlerischen Auseinandersetzung mit Silvia und Antje, ob “Studio//Bühne” ein skulpturales Format ist (ja sicher doch!!), hat mich die Konfrontation mit dem DKB interessiert, da hier eigentlich Potenzial für eine Art Archiv in Berlin liegt. Fakt ist: Der DKB archiviert das von ihm erstellte Fotomaterial für seine interne Nutzung. Wie dies gestaltet wird, habe ich keinen Einblick. Ich weiss, dass der Künstlerbund in Zusammenarbeit mit der Berlinischen Galerie sein Archiv für Recherchezwecke zur Verfügung stellt (Einsichtserteilung). Dafür hätte es eine Einverständniserklärung jeder einzelnen Künstlerin gebraucht. Uns das Fotomaterial zu verweigern, mit der Begründung, es könnte kommerziell genutzt werden, bedarf einer Rechtsgrundlage. Fakt ist, dass das Archiv an sich eine neue Blütezeit erfährt. Die Sammlung selbst rückt u. a. aus logistischen Gründen in den Hintergrund.
Folge: “Originale” werden ersetzt / simuliert. Wir werden ersetzt / simuliert. Eine einheitliche Lösung für die Studio//Bühne halte ich für anmaßend und künstlerisch nicht sinnvoll. Es stellt sich eher die Frage, ob wir eine Einladung als Studio//Bühne in eine Institution weiterhin annehmen werden, wenn die Rechtsgrundlage dafür nicht geschaffen ist.
LG Suse

#7

2017

Text/Template/Activation: Dynamische Schablone 3:40:35

Programm der Art Week Berlin, 16.09.2017
Lotus Duo (Hung und Hoa), Eva Färber, Astrid Rostaing, Matthias Peter, Marc Lagies, Anna Fiedler, Barbara Buchmaier, Christine Woditschka, Suse Weber

23.11.2017

Liebe Hoa, Lieber Hung
Unser Treffen in der Studio//Bühne unterschied sich insofern von der Aufführung in Leipzig, da es sich eher um eine Veröffentlichung eines “lebendigen Modelles” handelte.
Kurzes Anreißen der Performances…, Erläuterungen zum Entstehungsgedanken…..Die Dynamische Schablone als Grafik, die Noten- und Silbentranskriptionen als Bewegungsschablonen waren zeitgleich einsehbar. Das Podest im Schaufenster, zur Strasse und zum Raum hin offen einsehbar – eine kurzfristige Bühne in der Nachbarschaft.
Die schwarze Metall-Bewegungsschablone – ebenso ein Resultat aus unserer musikalischen Auseinandersetzung an der Dan Tran. Ich bin der Überzeugung, dass euer Beruf lieber Hung als Journalist und Hoa als Musikforscherin großen Einfluß auf die Entwicklung hatte. Die TänzerInnen, ebenso eingebunden in “kunstferne” Berufe, handhaben den “Stoff” als Hybrid-Charaktere. Sie choreografieren sich anders als im Vergleich konditionierte Tänzer. Sie unterbreiten Vorschläge, korrigieren, erweitern – in kurzen Phasen, vielleicht aus Unsicherheit. An der Dan Tran selbst gibt es diese Holztürmchen unter den Seiten, die immer wieder korrigiert werden müssen während des Spiels. Der Klang selbst – in Schleifen und kühlen Punktierungen – unterstützt das phasenhafte Arbeiten. Eure Erfahrungen im Umgang mit vietnamesischen Wortsilben (Bildhaftigkeit) im Unterschied zur europäischen Sprache waren unabdingbar für die Erarbeitungsphase!
Das Publikum erwartete einen Atelierbesuch – nun sie waren überrascht über das “Lebendmodell”.
Besonders freut mich, dass die Kompositionen in Deine Forschung Aufnahme gefunden haben liebe Hoa. Ich hoffe ihr bleibt in meiner Nähe und laßt den Auswanderungsgedanken aufgrund der aktuellen rassistischen Angriffe doch noch fallen.
LG Suse

#6

2017

Text/Template/Activation – Schwarz/Rot/Weiß

Kienzle Art Foundation, Berlin
21. April – 8. Juli 2017
Eröffnung am Freitag, 21. April 2017, 19 Uhr
Textperformance: Barbara Buchmaier, Aktivierung: Suse Weber

Ein Gesprächsauszug zwischen Barbara Buchmaier und Suse Weber, geführt in Berlin im April 2017. Barbara Buchmaier ist Akteurin in der Studio//Bühne von Suse Weber. Beide teilen Fragestellungen zu „Doing Writing“ und „Text/Template/Activation“.
Barbara Buchmaier: „Text/Template/Activation“ – so heißt deine Ausstellung in der Kienzle Art Foundation. Das Konzept „Text/Template/Activation“ ist bereits seit 2012 Teil deines künstlerischen Ansatzes. In deiner „Studio//Bühne“ in Berlin-Wedding, zugleich dein Atelier, hast du bereits mehrfach Künstler/innen und Textproduzent/innen aus dem eigenen Umfeld in ein von dir vorbereitetes Setting eingeladen, um eigene Texte, zum Beispiel über das Dreiecksverhältnis von künstlerischer Arbeit, Künstler/in und Publikum zur Debatte zu stellen …
Suse Weber: Ich beschäftigte mich schon seit einer geraumen Zeit mit dem Dreiecksverhältnis   künstlerischer Arbeit, Künstler/in und Publikum, besonders seit dem ich den Begriff der Emblematischen Skulptur verwende. Aus der Erfahrung mit der Arbeit „Formel:Marionette“, in der ich seit 2010 selbst aktiv vor Publikum wurde, stellte ich fest, dass dieses Dreiecksverhältnis in eine Art Rotation versetzt werden kann. Das sprechen „über“, im Falle von „Formel:Marionette“ der Augenblick der Textproduktion, ist veränderbar. Die Physiognomie der Skulptur, ihre Beschreibung oder auch Besprechung durch Autor/innen in Anwesenheit der Skulptur, setzt den Vortragenden in ein neues Verhältnis dazu – es entstehen vollkommen andere Betrachtungen/Texte. Die Skulptur wird Schablone, gleichzeitig wird sie neu aktiviert. Diese und andere Fragestellungen beschäftigten mich und ich begann mit einer Serie von Übungen, die ich mit anderen Künstler/innen ausprobierte.
BB: Für das Setting in der Kienzle Art Foundation hast du Themenfiguren ausgewählt, die bereits als einzelne Bestandteile in vorangegangen Emblematischen Skulpturen zu finden waren. Die „Tribüne“, die „Garderobe“, die „Uhr“, das „Individuum“ und die „Bewegungsschablone“. Auffällig ist, dass sie alle einer festgelegtenFarbkombina-tion folgen: Schwarz-Rot-Weiß.
SW: Nach der Besichtigung der Räume der Kienzle Art Foundation in Berlin geisterten mir Farben im Kopf herum und ich wusste schnell, dass deren Auswahl ein wichtiges Entscheidungs-kriterium sein wird. Da ich Farben immer in ihrer Symbolik verwendet habe und speziell diese Fassung von „Text/Template/Activation“ in einen emblematischen Raum versus den weißen Ausstellungsraum setzen wollte, entschied ich mich für Schwarz-Rot-Weiß, eine Art Erwei-terung der Berliner Flagge. Die Auswahl der einzelnen Skulpturen erfolgte nach Kriterien ihrer Veränderbarkeit im Raum, ihrer eigenen Varianz, auch welche Bewegungen sie für den Besucher vorgeben, wie sie Mechanismen und die Konventionen von Handlung im Ausstellungskontext am besten überzeichnen können.
BB: Kommen wir nochmal auf die von dir gewählten Farbkombination zurück. Eine histo-risch aufgeladene, wenn ich das anmerken darf … Welche Rolle spielen diese Farben? Und was bzw. wem ordnest du sie zu?
SW: Die Farbkombination wird zum Farbschema. So taucht Schwarz in verschiedenen Formen, Materialen aber auch Grössenverhältnissen auf. So trifft man es als Balken, als Dreieck, als Säule, gestreift und kariert. Jede dieser Beugungen des Schwarz bereitet Assoziationen vor. Etwas Ähnliches geschieht mit Rot. Das Weiß springt zwischen Objekt und Ausstellungsraum, es gibt einen kleinen Moment der Überschneidung, in einer Reflexion fixiert an der Be-wegungsschablone.
Schwarz-Rot-Weiß ist aber auch:
Schwarz-Weiß und rot
Rot auf Schwarzweiss
Rotweiß-Schwarz-Weißrot
Schwarz-Rot neben Weiß
BB: Was sind konkret die von dir bereits erwähnten „Mechanismen“ und „Konventionen“ im Ausstellungskontext, die dich im Vorfeld interessieren?
SW: Das Eintreten, das Gehen und das Sitzen in Verbindung mit einer Emblematischen Skulptur. Diese drei Bewegungen engen die Skulptur ein, dehnen sie aus und kehren sie um.
Der Eintretende wird zum Sitzenden.
Der Sitzende zum Gehenden.
Der Sitzende beobachtet den Gehenden.
Der Gehende beobachtet den Eintretenden.
Der Sitzende auf Schwarz-Weiß beobachtet den Sitzenden an Rot.
Der Gehende verschiebt Schwarz.
Der Eintretende hängt Schwarz.

4.4.2017

(Textstreichungen aus Gespräch)
BB: Du bist in Leipzig aufgewachsen, nach dem Fall der Mauer bist du nach Berlin gezogen, wo du dann ab 1995 studiert hast, und zwar Malerei und elektroakustische Musik. Wann hast du angefangen, Malerei in den Raum zu transferieren? Oder anders gefragt: Wann hast du das „eckige“ Bild verlassen? Und welche Rolle spielte dabei damals deine Sozialisierung im Sozialismus der 1980er-Jahre? Kannst du dazu etwas sagen?
SW: Das Verlassen des eckigen Bildes hatte viele Ursachen. Aufgewachsen mit einer offiziell vorgegebenen Bildsprache und gleichzeitig einem symbolistischen Surrealismus als wiederständiger Form, war ich konfrontiert mit neuen Kunstbegriffen, nationaler (westdeutscher) und amerikanischer Kunstgeschichte, und empfand mich selbst in einem Dazwischen. Ich begriff das Dazwischen-Sein als Potenzial, als eine Art Parallelperspektive in zeitlicher Begrenztheit. In dieser Zeit entstanden Segmente, die ich damals als Bildbausteine bezeichnete, und die es mir ermöglichten, jedes Bild in Varianten zu erschaffen, deren Lesbarkeit ich testen wollte. Damals gültige Zustände dieser Bildbausteine waren: installiert an der Wand (als ausgestellt), auf dem Boden liegend (als für ein Bild inaktiv geltend) oder verpackt (als aussortiert betrachtet). Ich benötigte eine andere Handhabung. Der Pinsel – ein Stöckchen mit Haaren – erschien mir immer absurder. Die zeitliche Begrenztheit dieser Ensembles aus Bildbausteinen wurde mir immer wichtiger und entsprach meinem eigenen Zustand – eben dem des Dazwischen-Seins als gültige Existenz. Die vier Ecken haben mich irgendwie aufgehalten.
BB: Rückblickend gelten die 1990er-Jahre, die Zeit deines Studiums, in der westlichen Kunstgeschichte als Epoche der „sozial-engagierten“, projektorientierten Ansätze – damals natürlich noch weitgehend ohne den Background der Digitalisierung und sozialen Online-Netzwerke: Künstler/innen kochten, recherchierten über die Geschichte von Orten, stellten Bibliotheken zusammen, organisierten Gruppen-ausstellungen, und luden Interessierte ein, daran teilzuhaben bzw. ihre Arbeiten zu vervollkommnen … Mit was hast du dich damals inhaltlich beschäftigt?
SW: Mit der Darstellung von Fremdgesellschaften in Modellen, mit der Idee des Marionettentheaters, zeitgenössischen Prozessionen, Labans Notationssystem und seiner „Effort- Methode“, dem Human Mic, dem Doing Writing, mit dem Vereinswesen als politischer Struktur, Konditionierungen und Adaptionen von Migrant/innen, Vektoren, Schablonen, Neuformationen von Chören, zeitgenössischer Tanz in der DDR …

#5

2016

Text/Template/Aktivation

Das Dreiecksverhältnis Künstlerische Arbeit – Künstler – Publikum.
zu arbeiten//zu veröffentlich

Achim Lengerer, Suse Weber & Eva Färber, Barbara Buchmaier & Christine Woditschka, Emma Haugh & Theresa Stroetges

30.4.2016, start: 7 pm
Dear my friends
Um das Dreiecksverhältnis Künstlerische Arbeit / KünstlerIn / Publikum in eine erneute Rotation zu versetzen, benötigt es konsequente Methoden im Umgang mit dem Ausgesprochenen und Geschriebenen. / ! / ?
Die Sitzordnung ist schon lange nicht mehr stumm! Das Publikum hypertrainiert und der Künstler erzogen? Lasst uns weiter an dieser Perversion arbeiten//veröffentlichen!
To move the triangle relationship artistic work/ artist / audience into a new rotation we need consequent methods in dealing with the written and outspoken./ ! / ? The seat order is not dumb any longer! The audience hypertrained and the artist educated? Let us further work//publish on this perversion!
Suse Weber, April 2016
7.00 pm, „Proben zu Peter Weiss / The Trotsky Rehearsals“, Leseprobe mit Gästen, Achim Lengerer
7.30 pm, „Prager Schablone“, Suse Weber in Zusammenarbeit mit Eva Färber als Tänzerin
8.30 pm, „Die Quellen – Clear Your Voice, Clairvoyance“, Barbara Buchmaier & Christine Woditschka
9.00 pm, ‚How deep is your love?‘ Bottomless dissonance, abdominal static & cavernous withdrawal A collaborative performance between Theresa Stroetges & Emma Haugh, The Re-appropriation of Sensuality remixed #01

15.5.2016

Liebe Eva
Ich möchte Dir erneut danken für Deine Double-Tätigkeit! Es war wichtig, die erarbeiteten Bewegungsabläufe von mir und Hana auf einen anderen Körper zu transferieren. Das “Kostüm” verhielt sich vollkommen anders!
Deine Frage zur “Bühne”: Ich hatte mich dazu entschlossen, eine Skulptur von mir als Bühne umzubauen. Dreieckig und mit partieller Spiegelfolie versehen. Beine und Oberkörper der Aktivierer und des Publikums wurden dadurch ineinander verschoben. Es klappte hervorragend für Barbara und Christine, die sich als zwei “Konsumenten-Typen” aktivierten. Neugierig war ich auch auf Achims Beitrag, da sich die Konstruktion stark von der klassischen Tisch / Stuhl Konstellation unterschied. Ich bekam den Eindruck, wir befanden uns in einer Art Boot, unsere Beine vervielfältigt, Bühne horizontal, gelesene Texte in unterschiedlichen Stimmlagen wurden Mehrfachstimme – fast wie ein Chor.
Für Emma war die Konstruktion für ihre Projektionen ungeeignet – hätte man konkret im Vorfeld erarbeiten müssen, aber dafür gibt es ja die Studio//Bühne, um das herauszufinden!
Erinnere Dich an unsere erste Zusammenarbeit im ZKM, als noch nicht einmal das Rollen-Protokoll als künstlerische Arbeit akzeptiert wurde! Im übrigen war das unsere erste Textarbeit, danach kam das Türsteher-Protokoll und die Raumkonferenz in der Akademie der Künste. Ich mochte den Warnhinweis im Internet, dass Du als Double für mich in Erscheinung trittst. Was für ein glücklicher Umstand, dass Du angefangen hast, zu tanzen! Ich freu mich auf weitere Crossover mit Dir!
LG Suse

#4

2015

Text/Template/Activation

Das Dreiecksverhältnis Künstlerische Arbeit – Künstler – Publikum.
zu arbeiten//zu veröffentlich
Jiří Havlíček, Leif Erich C. Deutsch, Martin Ebner, Ariane Müller, Willem Oorebeck, Simon Thompson, Anna Weichsel, Barbara Buchmaier and Christine Woditschka, Achim Lengerer

15. – 19. Sep. 2015, daily 2-6pm

18. September 2015

7.30 pm, New Text, Fake Name,Lecture Performance: Barbara Buchmaier&Christine Woditschka

8.30 pm, „Layout for Suse Weber“ (Arbeitstitel“), Achim Lengerer / Scriptings

Dear my friends

Nach fünfjähriger Arbeit im Konzept Formel:Marionette möchte ich mein gleichnamiges Buch am Entstehungsort und in der eigens dafür eingerichteten Studio//Bühne veröffentlichen.

Seit einigen Jahren stehen wir in arbeitsintensiven Verbindungen und ich plane, den von euch mitgeprägten Entstehungsprozess als Buchumgebung für uns alle neu zu inszenieren.

Die Möglichkeiten des ausgesprochenen, geschriebenen, performten Wortes in Verbindung mit einem eigens dafür konzipierten Gegenstandes und die damit verbundenen Konsequenzen für das Dreiecksverhältnis künstlerische Arbeit, Künstler(In) und Publikum benötigen neue Methoden. 

Ich behaupte, dass wir an diesen neuen Methoden gerade arbeiten und lade dazu ein, in der Studio//Bühne daran weiter zu arbeiten // zu veröffentlichen.

Dear Jiří Havlíček, wir imaginierten in Gesprächen, welche Materialtransformationen notwendig sind, um das Potenzial eines Umbruchs politischer Systeme am Beispiel eines künstlerischen Dokuments in die Zukunft zu transportieren.

Dear Leif Erich C. Deutsch, die Änderungen Deines Namens als behauptete Veränderung des Selbst, und damit einhergehend die Forcierung einer Neubetrachtung Deiner Arbeiten und Person zugleich, schreibt mir im Kontext der eigenen Arbeit eine veränderbare Rolle zu.

Dear Martin Ebner, Du und das starship-magazine bot mir die erste Möglichkeit, frühe Textarbeiten zu veröffentlichen. Dein Aufspüren von Immanenz und die Liebe für das Unsichere lässt die große Maschine immer wieder alt aussehen.

Dear Ariane Müller, Augenpaare junger Männer auf eine Frau gerichtet (ein Zeichenzyklus von Dir), der Reisebericht aus Afrika, der sich unter anderem mit Erfahrungen von Sexualität / Frau / Reisen beschäftigt und unser erst kürzlich geführtes Gespräch über die Weiterverarbeitung von Biografien bildeten für mich immer wie-der neue leuchtende Schnittstellen.

Dear Willem Oorebeck, Deine Künstlerbücher ruinierten jenes komfortable Selbstverständnis vom Anlegen, Anordnen und der konventionellen Lesbarkeit eines Buches, so dass es mir wieder möglich wurde, das Format Buch neu zu denken.

Dear Simon Thompson, Du hast den Begriff Doing Writing geprägt und in unzähligen gemeinsamen Exzessen unsere Künstler-Konditionen ermordet.

Dear Anna Weichsel, Deine Erzählung über den Beginn eines Buches, indem das Gehirn von Majakowski in einem Einweckglas auf offener Strasse transportiert wird, beschreibt recht gut unseren Austausch über den Umgang mit utopistischen Ideen.

Dear Barbara Buchmaier and Christine Woditschka, ich erkannte Parallelen in unseren Methoden an einer neuen Lust, Formuliertes andersartig zu aktivieren. Schärfe, Genauigkeit und ausdrücklich als Notwendigkeit formulierte Anwesenheit der personalisierten Kritik werden von Euch als aktionistische Kritik gelehrt.

Dear Achim Lengerer, noch bevor ich von Deiner Schriftenreihe scriptings erfuhr, hattest Du mich prompt als Rolle in einer Deiner Performances eingesetzt. Eine Umkehrung der Abfolge im Umgang mit Text und direkter Publikumsarbeit beschäftigte mich noch lange, da ich mich dadurch selbst als personalisiertes Dokument kennenlernte.

25.11.2015

Liebe Anna
Ich möchte Dir für Deine “Forschungsszene” danken.
“Experimentalkultur und russische Avantgarde”: bis heute im Kunstbetrieb als eine Art roter Kitsch repräsentiert. Ich hoffe, Du kannst Deine Forschungen (“Institut für Genie”, Moskau 1920) fortsetzen und den Spionagevorwurf entkräften! (Verdammt, wie macht man das?)
Alle Textmaterialien lagen auf den Tribünen aus, ich habe diesmal herrlich übertrieben: vier Megastrukturen für 50 Leute – der Raum war eine einzige große Tribüne. Barbara und Christine haben stehend darauf ihren Textbeitrag aktiviert. Achim bereitete eine einstündige Handlungscollage vor. Jirka präsentierte im Keller-Kino sein filmisches Experiment, ein Dokument des politischen Umbruchs aus Prag in eine neue Technologie zu transferieren.
Insgesamt waren wir ca. 60 Leute, die tatsächlich 6 Stunden miteinander verbracht haben und mir wurde mehrfach bestätigt, dass es ein fantastisches Format ist, sich mit Thesen anderer Künstler auseinander zu setzen. Ich hatte bereits ein Tag zuvor alle Textbeiträge ausgelegt, verbrachte selbst ein paar Stunden allein auf den Tribünen. Leif übergab mir eine “Instruktions-Verhandlung” mit dem Titel: “Fatalismus (Art Face) des Kunstpolitischen Liebhabers”.
“No I am not an artist, but yes i am ‘like’ one” von Simon – eine Text-Pirouette, in der er mit seinem kleinen Finger die Tastatur des für, gegen und warum, auf Zehenspitzen und verbogenem Taktstock abdreht (Grafik). Hätte ich gerne aktiviert gesehen.
Martin kam mit seinem “Plaka-Tierwagen” vorbei und legte das gerade fertiggestellte Heft auf dem Boden zwischen all die Tribünen aus – ein orientalischer Teppich.
Ariana schickte mir eine Art “Abriss-Gedicht”, nachdem sie meine alte Leipziger Wohngegend besucht hatte und feststellen musste, dass es sich um ein Villenviertel handelt.
Du kennst die Gegend im “alten Zustand” und kannst Dir sicherlich vorstellen, dass es für sie merkwürdig gewesen sein muss, einer Bankfiliale gegenüber zu stehen (meinem ehemaligen Kinderzimmer). Es fehlen die Archive, Zeitzeugenbefragungen, eben Dokumente – und wie wir beide wissen, ist die Vernichtung politisch motiviert und mit erschreckender Gründlichkeit realisiert worden. Ich habe Dir von der “Dritten Generation Ost” erzählt (ist das nicht schon die vierte?). Sie betreibt eine Art Rekonstruktion von Archiven in Leipzig und Berlin. Du solltest sie treffen! (Du erinnerst Dich: Die “Erste Generation Ost” fußte auf Psychologen (was für eine Forschung!!!), die das “Krankheitsbild: DDR – Bürger” untersuchten, die “Zweite Generation Ost” waren wohl eher Denkmalpfleger.)
Alle Texte habe ich noch vor Ort. Wenn Du das nächste Mal auf Deinen Forschungsreisen USA – Moskau einen Zwischenstopp einlegst, zeig ich sie Dir.
LG Suse

#3

TEMPLATE:RAUTE

RAUTE a one night off-space, sweaty-space, sub-space for doing after hours business and pleasure between woman at the Roman-Russian baths in Mitte, hosted by visual artist Suse Weber and Emma Haugh

Emma Haugh

Suse Weber

TEMPLATE: RAUTE

Dear ‚xxxx xxxxx‘

You are invited to RAUTE a one night off-space sauna at the Roman-Russian baths in Mitte, hosted by visual artists Suse Weber and Emma Haugh.

RAUTE :: a quadrangle with four sides, diamond shaped, you can fit a circle inside, you can criss cross from one angle to another and back again, if it pleases you. Movement changes the shape and the logic of the parallels, corners and opposites. Unknown coordinates make for strange choreographies and by the end of the night the RAUTE is malformed and off kilter, not quite what was expected. That’s how it goes.

RAUTE :: you are invited to take a place and change it, to be a body inside hot architecture, to see if there is anything to say or nothing at all to be said.

RAUTE :: hosted by Suse Weber & Emma Haugh as an off-space, sweaty-space, subspace for doing after hours business and pleasure between women during Berlin Art Week 2015.

Roman-Russian bath
in the town bath Berlin – Mitte, 3th floor
Gartenstrasse 5, 10115 Berlin

Saturday, 19.9. 2015 , 9. 30 pm  – 0. 00 pm

by invitation only!

13.10.2015

Liebe Roseline
Ich möchte Dir nochmals für die Vermittlung des Kontaktes zum Saunapächter danken! Dein Konzept, Ausstellungen in SPA-Bereiche zu verschieben, hatte nichts mit der Veranstaltung Studio//Bühne – Template:Raute zu tun. Unser Fokus lag nicht auf Ausstellung, auch nicht auf das Ausstellen dieses speziellen “Raumes selbst”. Mehrere Aspekte haben mich veranlasst, die Sauna für diesen Zeitpunkt (Berlin Art Week) zu mieten:
– In Römischen Bädern haben, laut Überlieferung, immer Geschäfte stattgefunden. (Ich fand die Vorstellung, einen Business-Club für Frauen zu arrangieren (eine Art No-Go-Area für Männer) lustig und tragisch zugleich: Dafür bräuchte es zunächst Frauen mit eigens verdienten Geldern, …Entscheidungsträgerinnen also. Klar, dass dies zu diesem Zeitpunkt noch nicht aufgehen konnte.)
– Bis heute gehen Galeristen, Sammler und Künstler zusammen in Bordelle, um ihre Geschäftsabschlüsse zu “begiessen”. (Auf dieses Dilemma für Künstlerinnen brauche ich hier wohl nicht näher einzugehen.)
-Das Römisch-Russische Bad in der Gartenstrasse war in der DDR über Jahre versteckter “Gay-Club”. (Es gibt bis heute keine weibliche Architektur in der triebhaften Wirtschaft (…und Du wirst mir hier zustimmen: das Loch in der Wand ist nicht wirklich physiognomisch auf das weibliche Geschlecht eingestellt!))
– Während meines Studiums äußerte sich mein Professor zum Thema Frauen als Künstlerinnen: Einer guten Künstlerin müßte man unter den Rock schauen, denn da baumelt eh ein Schwanz. Und man müßte einen Hormonentest einführen, wie im Sport.
Das zu den Bedingungen um die Jahrtausendwende in Berlin!
Ich traf Emma ein Jahr zuvor in Berlin. Sie erzählte mir, dass sie mittlerweile über eine Sammlung von Beschreibungen von “erotischer Architektur” von Frauen besitzt, diese einmal vorzutragen, wäre doch ein Anfang für mögliches Bauen… (“What would a space dedicated to the manifestation of female desire be like? A space of becoming more than a sex club, an autoerotics of architecture conceptualized by and designed for women, a space transcending established and exclusive systems of representation. An-other libidinal economy.?” Emma Haugh, 2015, Zitat aus unserer Email-Korrespondenz)
Zum Ablauf selbst: Nachdem der Pächter die Aufgusshandlung verweigert hatte, bin ich mit einer improvisierten Handtuch-Wedel-Choreografie eingesprungen. Emma las auf Wunsch aus ihren Aufzeichnungen. Unterbrochen wurden wir durch eine Frau in Handtüchern gewickelt, die der Meinung war, es würde sich nicht um eine feministische Veranstaltung handeln (?!?) und ich könnte auch nicht Suse Weber sein ( dabei zitierte sie meine Daten aus Wiki). Glaub mir, ich hatte bis heute gehofft, dass dies ein Werk von einer der anwesenden Künstlerinnen ist. UND: Der Pächter, den Du als sympathisch und easy beschrieben hast, hat tatsächlich am Ende noch so eine Bedrängungsperformance hingelegt, so dass wir über “waterboarding” nachgedacht haben…
Nichtsdestotrotz, “unsere bildschöne Unbeholfenheit” ist noch weit davon entfernt, Business zu machen, wenn wir es denn sooooo (??) wollten.
LG Suse

#2

2014

DOING WRITING

Eine Implosion von Werkbesprechung/Kritik/Ankündigung.
Mit der Methode des Doing Writing wird die Trennung des Text über/Text zur/Text nach Kunst vom Werk selbst in Frage gestellt. Autoren schreiben Texte zu Skulpturen und tragen diese vor, wobei sie sich selbst und ihre Schriften ins Verhältnis zur Physiognomie der Arbeiten zu setzen. Untersuchungsgegenstand war die Veränderung des Textes selbst und die Erprobung neuer Formen des Textvortrages in Anwesenheit der Skulptur. In der Studio//Bühne wurden die Korrespondenzen entwickelt und mögliche Ergebnisse simuliert.
Barbara Buchmaier
Petra Reichensperger
Ursula Schöndeling
Suse Weber
(Aufführung im Kunstverein Langenhagen)

2.10.2014

Liebe Petra
Vier Skulpturen, ausgelöst aus vorangegangenen Werkgruppen, die aber alle unterschiedliche Bewegungsmuster schablonieren, inklusive dem Umgang mit Sprache darüber, damit und einem Skulpturen-Prolog – das war das von mir vorbereitete Ausstellungs-Skelett für die Textaktivierungen. Die Emblematische Skulptur “Kassandra” hat mindestens vier “Stage”- Aspekte und Dein Ausweichmanöver im Zuge der Einforderung eines Mikrofons haben mich umso mehr zu “Maßnahmen” greifen lassen. Noch bevor Du angereist bist, habe ich mit Ursula an der Struktur Deines Textes gearbeitet (nicht am Inhalt!), ihn präpariert für die Aktivierung. Der Tisch hat sich gebogen unter extraordinären Speisen als wir Dir unsere Überarbeitung vorgeschlagen haben. Du selbst hast realisiert, dass mit der Anwesenheit der Skulptur als Schablone, und damit einer Choreografie für das gesprochene Wort, Texteile überflüssig wurden, diese sich “automatisch” von einem “wissenschaftlichen Text im kunsthistorischem Kontext” unterschieden. Ein Verfahren, dem mein Interesse gilt, und nicht dem tradierten Gerangel des Sparten-Separatismus – jede von uns war gezwungen, aus der uns zugewiesenen Rolle (Format Ausstellung) herauszutreten.
Mit Barbara gab es einen anderen Vorlauf, beobachte ich schon eine Weile ihre Vorgehensweise im Umgang mit Text/Kritik. Und ich fand es fantastisch, ihre Version gesungen / geschrien zu hören, auch noch in einer Art Selbstverkleinerung (Children’s sizes – eben Modell eines Individuums).
Mit Ursula habe ich im Zuge der Vorbereitungen für die Ausstellung auch anders Zeit verbracht, sie war eine Früh-Eingeweihte (Sie bestand auf Neuproduktion, ich bin immer noch der Meinung, dass Doing Writing Neuproduktion war.)
Klar, Fotos bekommst Du, Publikum als Punkte in der Bewegungsanalyse (die ich immer mache) habe ich angefügt. Das Textmaterial von euch ist absichtlich so unleserlich gehalten, dass lediglich die Struktur erkennbar ist – taucht im PDF der Studio//Bühne auf (hast Du auch schon erhalten). Eine Printversion, die sich über die Studio//Bühne verteilt, als Diskurs-Schablone – Werkzeug eben.
LG Suse

#1

UNSERE ZEIT 

Dear my friends 

Wie spricht man eine Einladung auf ETWAS aus? 

Seit geraumer Zeit beschäftigt mich das Verhältnis des Künstlers zur eigenen Arbeit im Moment der Veröffentlichung. Stellt man sich diese Konstellation als Dreiecksverhältnis vor, ist man geneigt, es rotieren zu lassen, da das Oben, Links und Rechts an einer ungenügenden Stelle platziert scheint. 

Künstler(in) I Künstlerische Arbeit I Publikum 

Vorgeschichte 

Unterschiedlichste Begebenheiten spielten mir den Gedanken an eine Marionette zu. Ihre historische Entwicklung, ihre Abhängigkeit von Religion und literarischer Vorlage bis hin zum finanziellen Konzept und als Antiform in einer gesellschaftlichen Norm. Ich betrachtete die Marionette als Zeichen und testete ihre Beweglichkeit im Heute. Dazu gibt es einige veröffentlichte Beispiele unter dem Titel Formel:Marionette. (Die Formel nicht zu verwechseln mit Form als Formalismus sondern zu begreifen als Formel im mathematischen Sinne oder besser noch als Potenz.) 

Mit der Wahl meines Studios in Berlin Wedding und der Teilnahme an zwei für die Zeit gängigen Ausstellungsformate, indem ich mich selbst als Marionette einsetzen liess, bin ich an einen Punkt gelangt, an dem man eigentlich das Konzept aufgibt und sich einem Neuen zuwendet (=Ausreizung?). Aber es ist genau dieser Endpunkt der mich beginnt zu attackieren und dem ich nicht ausweichen will. 

Dear my friends 

Lieber Kris Kimpe, wir haben in einigen Gesprächen darüber gesponnen, wie es wäre, architektonische Konstellationen oder blauäugige Architektur aus Fragestellungen heraus zu entwickeln und nicht (wie meist üblich) als Reaktion auf einen Raum oder als Unterstützung eines Ausstellungsformates. 

Liebe Nina Rhode, wir haben bereits einige Stunden damit verbracht unseren Unmut über den konditionierten Ausstellungsbetrieb und seine Infrastruktur zu äussern. Deine Beschäftigung mit beweglichen Objekten, die Anwesenheit von Licht und Ton verlangen nach neuen Konstellationen, die ich in meinen Vorstellungen mit Dir teilte. 

Liebe Kathrin Sonntag, Du arbeitest mit Wahrnehmungsverschiebungen, die den phy-sischen Umraum einer Arbeit attackieren können: Zittern, Wackeln, Unschärfen, Witz. Und dies in einer merkwürdigen Zirkulation. 

Liebe Rosaline Rannoch, Deine Performance mit Aggregatzuständen hat mich noch lange beschäftigt, da sie sich eigentlich eines festen Zustandes (Objekt) entzieht, jedoch die Struktur eines festen Gegenstands aufnimmt. 

Liebe Katleen Vinck, mit dem Verschwinden von Material als physische Erfahrung und dem Dilemma und Vakuum, dieses Material noch als einsetzbar zu verhandeln, formuliert der durch Dich eingesetzten  „falsche“  Beton für mich einen Höhepunkt in der Materialgeschichte, auch wenn dies eine Praxis  des traditionellen Kulissenbaus beherbergt. 

Lieber Achim Lengerer, die Veränderung der „Rolle“ im Prozess des öffentlichen „Schauspiels“ und damit verbunden die von Dir im Vorfeld manipulierten Textvorlagen er-schienen mir zunächst als verwandte Vorgehensweisen meiner Arbeit. Doch nach der Übernahme einer Rolle in Deiner Arbeit, begriff ich erst die Schablonierung. 

Lieber Christophe de Rohan, Deine zustandsverweigernde Unform von Gesprächs-konstellationen, die Lust am Parasitärem, die penetrante Spiegelung der Anwesenden scheint endlose Möglichkeiten zu bewerben. Jedoch versteckt sich auch da ein Muster, das sich meiner Erfahrungen nach als ein sehr unfreies herausstellen wird. 

Liebe Fiona Mackay, die von Dir vorerst provozierte Blindheit , die Nihilierung von Strategien, die ersehnte direkte Poesie durch Unbewusstes lassen meine Arbeiten immer wie Barrikaden klappern. 

Lieber Lars Weinzierl, alter Freund. Wir haben so unglaublich viel Zeit miteinander verbracht und doch gibt es da diesen höllischen Abgrund von Istkünstler und Nichtkünstler, dem ich nicht traue. 

Liebe Lena Reuter, Deine Lust auf den Sprung in „künstlerisches Denken“ als Preparation für kritisches Schreiben über Kunst unterliegt eine immer wieder neu formulierte Vorstellung, das dies möglich sei. Wie steht es um das Verhältnis des Vogels zum Ornitologen (herkömmlicher Vergleich)? 

Wie bereits individuell angekündigt, findet unsere Zeit vom 2.8. – 4.8. 2013 statt. 

15.9.2013

Liebe Katleen
Ich habe in unsere Gesprächsmitschnitte reingehört – 2 Tage Camp – und ich bevorzuge diese gegenüber dem Bildmaterial, wahrscheinlich weil sie unbearbeitet sind und man ähnlich viel Zeit mit ihnen verbringen muss (in einer Art Selbst-Wiederholung). In dieser Selbst-Wiederholung sehe ich das Potential für eine “falsche Dokumentation” (Ich würde es noch erweitern mit einer Dokumentation in Form von Camouflagen bis hin zur Karikatur einer Dokumentation). Unsere Simulationen zur Ergebnisverweigerung, Situation versus Material, gestreßter Fakt Schatten waren nur möglich durch die vorangegangenen Provokationen von Leerstellen. Ich habe mit diesen “konditionierten Gebetsmühlen” gerechnet, Du erinnerst Dich: Man muß doch…müssen wir?, Wir brauchen doch…brauchen wir? etc.in Bezug auf Publikum / Veröffentlichung / Ergebnis. 
“I want to become an object” vrs.“I am addressed as an object” – liegt hier nicht unser Erfahrungs-Wahnsinn verborgen? 
LG Suse